创造性思维是一种特殊的思维方式，即通过思维不仅要揭示客观事物的本质即内在联系，而其要在此基础产生新颖的、独特的和具有一定社会价值的思维成果。创造性思维具有创造性、求异性、灵感性、多维性和综合性特征。艺术设计学生提高自己的创造性十分重要。首先，必须加强学生的文化素教育，拓展理工类学科知识，提高综合素质能力。艺术设计专业是建立在科学与设计基础上对形式、色彩、结构的设计与实施的总称，是需要把科学、艺术、生活、文化、政治、经济、与自然环境等只是有机的结合起来的一门综合性学科，其根本性任务是满足日益增长的物质文化需要的同时使人们获得情感和审美上的享受，艺术设计教育承担着培养高素质设计人才的重任。因此，加强学生文化素质教育，拓展边缘学科知识，提高综合素质能力尤为重要。其次，加强对传统艺术和民间艺术的学习。这对于艺术设计学生来说，十分重要。创造性思维不是反传统，从某种意义上来说，它更需要借鉴传统元素创造出新的元素。特别是我们的艺术设计，它需要在一定的空间和一定的人群中形成，它需要传统的启迪。艺术设计需要创造想象，需要灵感。人们在传统艺术和民间艺术的引领下，创造更美好更新奇独特的事物。不同国家的历史渊源以及地理环境造就不同的设计思想。德国设计风格历来严谨、理性、重视功能性；意大利设计风格更多的突出优雅与浪漫的特征；日本的设计则是高科技的创新与传统工艺的较完美结合；中国的传统艺术与民间艺术博大精深。如：北京奥运会由我国著名设计师设计的奥运会标就是利用了中国的诗、书、画、印的传统元素，并创造性的运用设计作品中去，来表现自己的风格。鸟巢的建筑是艺术设计的一大创举。再次，作为艺术设计学生，展开“幻想”十分重要，要有强烈度求知欲。想象力是人类运用储存在大脑中的信息进行综合性分析、推断和设想的思维能力。在思维过程中，如果没有想象的参与，思考就发生困难。爱因斯坦说过：“想象力比知识更重要，因为知识是有限的，而想象力概括这世界的一切，推动着进步，并且是知识进化的源泉。”所以，我们对于艺术设计来,“幻想”尤为重要。我们还要有强烈的求知欲。古希腊哲学家柏拉图和亚里士多德都说过，哲学的起源乃是人类对自然界和人类自己所有存在的惊奇。艺术设计更要有强烈的求知欲。而人的欲求感总是在需要的基础上产生的。没有精神上的需要，就没有求知欲。我们在精神上有寄托，就可以驱使自己大脑的“幻想”，从而发善自己的创造性，提高自己的创造性。创造性的提高还可以从兴趣、好奇心、想想思维能力、质疑精神与发问品质等方面培养。我们可以从生活的点滴注意观察，从细小的环节中受到启发，从而提高自己的创造性。
现在的艺术创作作品，想要绝对的独创是有难度的，而艺术创作上的创新思维却是打开创作灵感的钥匙。站在一个或若干个更高的层面去思考，拿出与众不同的创意，创作出让人眼前一亮的精品，是从事设计创作的人士需要解决的根本问题，必须给予足够的重视。 创造性思维，指的是一种独特的思维活动，它具有开创性，在人类认识领域开拓新的成果。一项创造性思维成果的取得，要不断地打破前人设定的界限，突破现有的认识范围，开拓出前所未有的认识天地，是需要经过长期的钻研、刻苦的探索、甚至多次失败之后不断积累经验才能取得，付出艰苦的脑力劳动。①创造性。艺术设计离不开创造，打破常规把现有的知识或经验打乱重组，产生新的组合、新的观念和新的思维是创造性思维的要求。创造性思维的创造力表现主要有对事物的敏感性，包括容易接受新事物善于发现新问题，此外还要有较强的应变、适应能力，能够无约束地进行联想。②突发性、无意识性。很多设计师在设计过程中绞尽脑汁但设计效果仍达不到要求，却因某人不经意的一个动作或一句话而获得灵感。这类现象就说明了思维具有突性，一般是受到某种启发而获得灵感，它是思维活动产的一种质的飞跃，是建立在长期创造性践和思考活动基础上的，经过平时的辛苦积累达到一定量的程度后，受到外界某因素的启发而产生创造灵感。无意识性也是创造性思维具有的特点，潜意识又称无识、无意识，属于全部精神最深层是真实的自我。艺术设计创作过程中，在人的无意识活动中创造性思维常常被体现出来，灵感出现的时候，人往往处于长期紧张之后的短暂松弛状态，这时是无意识思维活动最积极的时候。那么如何提高创造性思维？在设计过程中，我们依据课题收集大量相关的资料通过借鉴，获取大量已有的设计图形，拓宽视野，启发思路，从总体上提高我们设计的创造水平。在资料把握上已有一些头绪时，某些灵感的闪会诱发你的思路，帮助你选扫正、深化，寻求到最需要的东西，从而使你的某些构想得到升华，上升为一个已具雏型的创意。从表面上看，设计灵感的发生常常出乎的意料，这种特殊的思维活动似乎无规律可言，实际上它也要受到一定的逻辑规律的制约。灵感思维的出现是建立在设计师头脑思维活动进行的前提下，依赖于长期的生活经验、知识积累和艺术修养。也就是说灵感出现之前在大脑的潜意识当中已深藏大量的素材和情感信息资料，然后在思维创造时，大脑中的某些信息突然在想象中产生了联系，思维活动异常活跃，灵感就出现了。很多设计大师在设计之前都会大量收集相关设计产品的资料和信息，并借助灵感产生独特的创造思维，设计出了许多优秀的设计作品。观察事物时，能否迅速对其做出反映，体现了一个人敏锐性和判断力的强弱，感知能力是我们认识事物的重要手段，没有这种感知力，创造思维的提高是很困难的。感知力是进行艺术设计时最基本的能力，也是发挥创造性思维时最基本的能力，要做到这一点并不容易，它要求设计师要善于观察身边的生活，善于发现问题、提出问题并思考解决问题的最佳途径。在设计作品时，由于使用了惯用的、格式化的思维模式，轻视了创新训练；或是由于摹仿，思维形成了定势；也或是感到头脑空虚，思路闭塞，思维僵化，无从下笔，面对这种情况，只有加强发散思维的训练，方能有效。求异思维，又称发散思维，辐射思维，是指不依常规，寻求变异，有多种答案的一种思维方式，其特点是从多方面进行思考，分析问题，而选择最佳方案。①对待问题时，要从不同的方向、不同的侧面、不同的层次深入。②思考问题时，将多方面的知识加以综合运用，开阔思路，触类旁通，并着眼于事物的横向联系，尽量广开思路，注重多角度，多方位、多思路考虑事物。③解决问题时，注重多途径、多方式，多手法比如探索、转化、迁移、构造、变形、分解、组合等，不同思路的探索、转换，能激发设计师意识的潜能，产生与众不同的创造性思维。推荐阅读：灵感枯竭？用这些思维方法想象不等于空想，它源于丰富生活的积累，生活中有很多现象能引起人们的想象与联想，天空中漂浮的不断变化的云彩；地面上到处堆积的杂物；墙壁上由于侵蚀留下的印痕等等，都使我们感觉到它们的形状好像是其他某种事物的形象。在艺术设计中，对于每个设计师来说灵感出现的机遇都是相等的，灵感可能随时出现，关键是他们能否及时把握住，而灵感往往偏爱那些努力探索、辛苦工作、勤于思考的人们。质变是量变的积累，在量的积累的过程中，能否坚持到最后是决定质变的关键，对于艺术创作来说也是一样，艺术设计是一件艰苦的事，不可能一跳而就，只有做到身心贯注，才能有所成就。 将自己的全部注意力放到设计中，把它作为自己生活的一部分，就像我们离不开生活一样，同样我们也离不开设计，达到这个境界是需要时间的沉淀的，是在不断的实践中磨合的。设计师要专注于设计并能够长期坚持，才能设计出独特的设计作品。总之，艺术创作过程中要有坚持不懈的意志。

工艺美术是一种综合美化生活用品与环境的造型艺术。其突出特点为物质美与生产的结合，主要目的为实用，并具有审美特性。在国内人们的衣食住行都已经达到了一定的水平。物质生活已达到满足，不断追求精神生活。当今，人们生活习惯和审美情趣都发生了很大变化。尤其对于年轻人追求一种简约美，个性美。但长久以来在中国传统工艺美术中存在很多单一不变的品种，千篇一律的传统题材，很难引起现代年轻人的审美共鸣。 一、工艺美术在构思上的创新随着工艺美术的发展，创造艺术构思也不断进行，在设计中任何艺术都存在创造性，当代工艺美术也是这样，在创作过程中需提高自身创造性，充分发挥自身想象力。在现代工艺美术艺术的构思中，需不断创新构思理念，保证在创作上不断出现新灵感，当代工艺美术实质指的是在对事物审美观念的反应，有效体现出对文化上的需要。工艺美术设计者在创作时，不能脱离在自身艺术构思的创新。工艺美术设计中主要环节为艺术构思，工艺美术设计需要人们在以创新思维为前提条件下，带着工艺美术审美观念，经具体思维收集、加工素材，进而完成一系列审美思维活动。因此工艺美术设计必须要具备创造性思维。首先，工艺美术设计创造就应具备丰富内涵，综合把握功能、审美、科学、价值等观念。创作者应充分了解思想文化中的新动向，进而形成新的思想观念，创作出良好艺术设计，将设计带到新领域中。其次，工艺创新思维能够表现出设计者的心理与意念，因此设计者应充分发挥自身想象力，细心观察各种食物之间的联系，应用比喻、对比、联想等手法表现出艺术。每一种成功艺术作品都十分巧妙重新组合了事物间相互关系，并准确、简洁的表现出来。因此在工艺美术设计中，要自由应用这些规律，增强设计人员的艺术修养，积累丰富经验，增强自身人文精神素养。最终，工艺美术设计的构思主要是花大量时间进行调查研究，因此在初级阶段应收集大量资料，掌握综合知识，在学习知识同时积累经验，总结规律，进行更好的艺术创作。二、设计活动应与时俱进当今，社会发展需经济及艺术、文化等各要素综合进步，对于所有国家都应该积极进行创新活动，进而获取有利地位。当今开展工艺美术设计时应紧随时代气息，结合以往经验与内容进行分析，并适当创新，将活动内容与扩散水平提高到一定层面，保障设计有效发展。从艺术层面上来看，设计工作想要与时代背景相结合，随着时代发展，设计活动还需要表现出诙谐一面，其具体表现为： （1）现代工艺美术设计已存在全面突破，现代工艺设计使得设计师对人生领悟又提升一层，使艺术设计更具有时代感。由于当今社会经济不断发展，人们欣赏习惯与审美情趣发生巨大变化，为了使得有力提高工艺美术设计的艺术品味，就需在工艺艺术中添加更多的时代信息。（2）现代工艺美术设计中民族化指在设计中结合民族艺术，并随着历史发展，展现出传统风格。（3）现代工艺美术设计主要表现形式为抽象性风格，在审美意识中，不能具有过多修饰，要求变现出产品的间接与抽象性。当今社会飞速发展，表现在经济、科技等各个方面。因此现代工艺美术设计也要将时代性作为主要设计理念，以抽象思维为辅助进行工艺设计。同时我们也要合理掌控时间内容的工艺模式。使其能够顺利完成，获取有效的创新思想，创造出更多财富，提升自身创新能力。全面扩大艺术表现力是工艺美术设计特征，可针对性分析美感，还可通过分析所在环境进行探索，获取更多美好要素，创造出更美作品，将艺术与美感完美结合。三、应用高科技提升创新意义随着科学信息技术发展，一系列软件已经成功应用大现代艺术设计中，将设计人员制作简化，将更多的精力放到创新作品上。想要创造出更优秀的现代工艺美术作品，不仅要良好掌握计算机技术，并且还可应用现代技术软件进行艺术设计，应用综合知识进行整理、分析、创新。电脑科技的飞速发展为当代美术设计的发展提供了新机遇，面对国际艺术相互激荡，我们应充分了解高新技术发展取向，结合科学发展的消费心理，进行调整、优化，经过信息技术带动技术创新，增强工艺产品的科技性。四、结语 对于工艺美术设计创新已经势在必行，工艺美术属于造型艺术，创新工作符合发展规律。在产品化中对于每一种工艺美术品，都需得到市场消费者的认同，只有通过商品交换，才可体现出较大的艺术价值与经济价值。总之，工艺美术设计要通过设计者的创造性思维进行客观事物进行综合思考、认识、推理，进而体现出深刻、独特的文化内涵。

构成设计分为平面构成、立体构成、色彩构成。 平面构成主要是运用点、线、面和律动组成结构严谨，富有极强的抽象性和形式感。又具有多方面的实用特点和创造力的设计作品，与具象表现形式相比较，它更具有广泛性。是在实际设计运用之前必须要学会运用的视觉的艺术语言，进行视觉方面的创造，了解造型观念，训练培养各种熟练的构成技巧和表现方法，培养审美观及美的修养和感觉，提高创作活动和造型能力，活跃构思。立体构成是由二维平面形象进入三维立体空间的构成表现，两者既有联系又有区别。联系的是：它们都是一种艺术训练，引导了解造型观念，训练抽象构成能力，培养审美观，接受严格的纪律训练；区别的是：立体构成是三维度的实体形态与空间形态的构成。结构上要符合力学的要求，材料也影响和丰富形式语言的表达。立体是用厚度来塑造形态、它是制作出来的。同时立体构成离不开材料、工艺、力学、美学，是艺术与科学相结合的体现。 色彩构成（Interaction of Color），即色彩的相互作用，是从人对色彩的知觉和心理效果出发，用科学分析的方法，把复杂的色彩现象还原为基本要素，利用色彩在空间、量与质上的可变幻性，按照一定的规律去组合各构成之间的相互关系，再创造出新的色彩效果的过程。色彩构成是艺术设计的基础理论之一，它与平面构成及立体构成有着不可分割的关系，色彩不能脱离形体、空间、位置、面积、肌理等而独立存在
你说的可是平面构成！！它有平面构成，立体构成，色彩构成！！平面构成主要有点、线、面组成。色彩构成有纯度，明度，色相，等推移和空间混合构成！！立体构成也有点线面的构成方式！！！至于设计方面得看你是应用在那个领域！！！
构成分三大构成平面构成、色彩构成、立体构成，我是学环艺的这些都是基础知识，不懂找我
如果楼主说的简述的话，构成就只是分为平面构成、色彩构成、立体构成了。至于楼主想问哪方面的？
构成分成三大构成平面构成，色彩构成，立体构成。

构成艺术是任何艺术和设计的基础理论，它存在于一切艺术和设计的任何角落。如绘画艺术、雕刻艺术、摄影艺术；工业设计、展示设计、环境设计、装饰设计、装潢广告设计等等，无论平面的还是立体的，都离不开构成艺术，而基础构成又是构成艺术的理论基础。现代构成艺术现代构成艺术是高等院校艺术设计类专业必修的一门基础课程。本书就是专门针对这门课程的教学需要编写而成，以”理论够用、应用突出”为宗旨，突出基础课程在设计中的地位。全书共分十章，分别讲述了平面构成、色彩构成、立体构成的基本原理、构成形式及应用范围。其特色在于理论联系实际，重点突出构成艺术在现代设计中的应用。教材中的每一章节的知识点都结合了实际的应用实例加以剖析，避免了传统教材中课程知识与实际应用和其他课程脱节的现象，通过由浅入深的讲解和应用案例评析，加强学生实际动手和灵活运用的能力，使学生领悟到本课程是设计的核心和基础，启发他们主动学习、思考、实践，激发他们的创作思维和创作欲望，为今后的设计打下坚实的基础。
构成艺术是任何艺术和设计的基础理论，它存在于一切艺术和设计的任何角落。如绘画艺术、雕刻艺术、摄影艺术；工业设计、展示设计、环境设计、装饰设计、装潢广告设计等等，无论平面的还是立体的，都离不开构成艺术，而基础构成又是构成艺术的理论基础。换言之，基础构成是艺术和设计基础的基础。因此，学习基础构成是学习艺术和设计必经的第一课，也是极为重要的科目。绝大多数报考美术专业的考生，在安排专业考试培训时，往往把大部分时间和精力放到了素描、色彩和速写这三门课程上。而把专业创作和专业设计的训练时间压缩到专业考试前一两个月。

(1)设计与艺术的渊源：设计(Design)概念源于意大利文艺复兴时期的绘画，最初是指素描、绘画。后来人们从中理出绘画的四要素，即设计、色、构图和创造。设计指控制并合理安排视觉元素，如线条、形体、色彩、色调、质感、光线、空间等，它涵盖了艺术的表达、交流以及所有类型的结构造型。设计的宽泛含义，则包含了艺术家头脑中创造性的思维。 （2）设计的艺术含量：设计被称为艺术活动，是艺术生产的一个方面，设计对美的不断追求决定了设计中必然的艺术含量。从古至今，设计的艺术追求都在设计品中体现出来。随着历史的发展与社会的进步，创造纯精神产品的设计逐渐从物质生产中分离出来。（3）设计的艺术手法：主要有借用、解构、参照、装饰、创造。（4）不同设计的艺术特征：（5）艺术推动设计的发展：艺术变革为现代设计的发展开辟了道路。艺术家参与设计研究，投入设计实践，可以推动设计进步；设计师关注艺术，投入艺术研究，也可以推动设计进步；设计师与艺术家合作更有可能推动设计进步。 总之，我们考察设计史，可以这样断定，设计始终属于艺术的范畴。设计或者等同艺术，或者属于艺术之列。无论从什么意义上讲,设计都在艺术这个大家族之中。正是艺术史的材料证明设计的艺术特性，从而以便我们进一步地考察设计美学的其它特性，这点是最基本的原则。
艺术是设计的升华，设计时融入社会形态的意识或者的是设计师的思想时，能够让其他人有所共鸣。艺术不是为了艺术而设计的思想美学，设计与艺术的关系需要避免为艺术而设计的倾向，否认设计的科学技术和经济特征，把设计只作为纯艺术的一个品种，这样，设计就成了纸上谈兵，科学、技术、生产、流通、消费、材料等均成了概念。同时还需要避免为技术和设计，否认物质产品的精神功能，否认设计的艺术特征，把设计作为纯科学技术的一个行业，这样非常明显地导致设计的纯技术观点，素描、色彩、图案、构成等成了摆设，艺术思想、艺术技巧、艺术风格和艺术传统，都变成了无聊的言语。最后，艺术与设计的关系，是一种联系，两者不是孤立的、静止的。 这个命题比较大，百度知道里面有各种限制，文字也不能太所只能浅显的去概述，想了解这个可以当做一个命题多搜索相关资料。
艺术与设计似乎很接近，但又十分不同，不论艺术或者设计他们一般都是观念先行的。艺术追求尽量多的可能性设计追求尽量少的可能性艺术走到极致能看懂的人越来越少设计走到极致能看懂的人越来越多艺术让人觉得世界多元设计让人觉得世界美好自由的艺术是好艺术合理的设计是好设计艺术趋向于和观众互动设计一直是单向传达艺术多与文化有关设计多与科技有关
艺术里有技能和技巧的意思 而设计是设定与计划艺术是理论感性层次上的门类而设计是实践为主的门类，相互依存 又独立存在的两个门类